La figura humana en la escultura contemporánea
La figura humana ha acompañado a la escultura durante siglos, pero nunca ha permanecido inmóvil como lenguaje artístico.
Cada época ha decidido qué observar del cuerpo.
Proporción.
Anatomía.
Movimiento.
Identidad.
Fragilidad.
Fuerza.
Ausencia.
En la escultura contemporánea, la figura humana puede representarse de manera realista, simplificada, fragmentada o profundamente transformada. El cuerpo deja de ser únicamente un ejercicio de semejanza y se convierte también en una herramienta para estudiar gesto, espacio, identidad, emoción y materia.
El Metropolitan Museum ha dedicado exposiciones completas a cómo la escultura ha construido la presencia del cuerpo utilizando materiales y estrategias extraordinariamente diferentes, mientras que MoMA considera el cuerpo una cuestión central para investigar identidad en el arte moderno y contemporáneo.
¿Qué entendemos por escultura figurativa contemporánea?
Una obra es figurativa cuando mantiene una relación reconocible con formas del mundo real.
En el caso de la figura humana, eso no obliga a reproducir exactamente un cuerpo.
Puede conservar:
- postura;
- torso;
- rostro;
- extremidades;
- gesto;
- silueta;
y al mismo tiempo alterar proporciones, eliminar detalles o transformar la superficie.
Henry Moore constituye un ejemplo histórico claro de esa posibilidad: sus figuras reclinadas simplifican y transforman radicalmente el cuerpo sin perder su referencia humana. Tate señala precisamente esa relación entre simplificación imaginativa y figura.
La anatomía es una base, no necesariamente el resultado
Conocer la anatomía permite comprender cómo se organiza el cuerpo.
Pero una escultura no tiene que convertirse en una demostración anatómica.
El artista puede utilizar ese conocimiento para:
- exagerar una dirección;
- simplificar una masa;
- modificar una proporción;
- enfatizar un gesto;
- eliminar información.
En formación escultórica contemporánea, el estudio de figura continúa incluyendo modelado, observación, gesto y representación tanto objetiva como subjetiva del cuerpo.
El gesto comienza antes que el rostro
Cuando observamos una figura, solemos buscar primero la cara.
Pero escultóricamente el gesto puede estar en todo el cuerpo.
La posición de:
- espalda;
- hombros;
- pelvis;
- manos;
- cabeza;
- apoyo de los pies;
puede transmitir movimiento o estado emocional incluso sin rasgos faciales muy definidos.
Esa capacidad resulta especialmente evidente en Bailaora flamenca, obra de Elena Egea Aguado realizada en bronce en 2024. La ficha la describe como una figura capturada en movimiento, centrada en la fuerza y el dramatismo del baile.
Figura humana y movimiento
Representar movimiento en un material inmóvil es uno de los grandes problemas escultóricos.
Una figura puede sugerirlo mediante:
- desequilibrio controlado;
- torsión;
- diagonales;
- desplazamiento del peso;
- dirección de brazos y piernas;
- relación con el vestido;
- repetición visual de formas.
No es necesario mostrar literalmente una acción completa.
Basta con encontrar el instante que permite imaginar lo anterior y lo siguiente.
El cuerpo sentado: otra forma de tensión
No todo movimiento necesita desplazamiento.
Una figura sentada también puede contener tensión, peso y dirección.
Helena Sorolla es un estudio de figura femenina sentada realizado por Elena a partir del estudio de una figura de Elena Sorolla. La pieza mide 17 × 25 cm y está realizada en resina de poliuretano patinada sobre mármol. Su ficha incluye vistas frontal, laterales, trasera y diversos detalles, una documentación especialmente útil para comprender la tridimensionalidad de la postura.
El cuerpo sentado permite observar:
- distribución del peso;
- apoyos;
- compresión;
- relación entre torso y piernas;
- espacio que queda entre las extremidades.
El desnudo como estudio escultórico
El desnudo no es simplemente ausencia de vestimenta.
Históricamente ha permitido estudiar estructura, volumen y proporciones del cuerpo.
En una obra contemporánea también puede utilizarse para investigar fragilidad, identidad, intimidad o relación con otros elementos.
En Desnudo femenino, Elena incorpora una tela como elemento significativo dentro del estudio de la figura. La pieza está realizada en escayola, mide 7 × 6 × 15 cm y data de 2024.
La pequeña escala modifica además la relación con el espectador: obliga a acercarse.
La figura no necesita estar completa
Una cabeza, una mano o un torso pueden funcionar como obra autónoma.
Rodin fue especialmente influyente en esta idea. MoMA recuerda que acabó defendiendo que un fragmento corporal cuidadosamente trabajado podía alcanzar tanta expresividad como una figura completa.
Esta libertad sigue siendo fundamental para la escultura contemporánea.
Fragmentar no significa necesariamente presentar algo incompleto.
Puede significar elegir aquello que concentra mejor la idea.
Escala: el mismo cuerpo nunca es el mismo
Una figura de quince centímetros y otra de tamaño natural generan relaciones completamente distintas.
Desnudo femenino mide 15 cm de altura, mientras que Amor Vincit Omnia, representación de María embarazada, alcanza 140 cm.
La escala modifica:
- distancia de observación;
- detalle;
- sensación de presencia;
- relación física con quien contempla;
- protagonismo del espacio circundante.
Cuando una figura se aproxima a nuestro propio tamaño, la comparación corporal aparece casi automáticamente.
La figura humana y el espacio
La escultura no termina donde termina el material.
Los huecos entre brazos y cuerpo, entre dos piernas o entre una figura y su soporte también construyen la obra.
MoMA, Tate y el Museo Reina Sofía subrayan desde diferentes perspectivas esa relación entre cuerpo, tridimensionalidad y espacio.
Esto explica por qué una fotografía frontal nunca muestra por completo una escultura figurativa.
La materia modifica nuestra lectura del cuerpo
Una misma figura cambia dependiendo de cómo se materialice.
El bronce puede generar una superficie patinada y una fuerte presencia material.
La escayola puede dejar muy visible el modelado y producir una lectura diferente de la luz.
La resina permite otros procedimientos de reproducción y acabado.
La producción de Elena ofrece ejemplos de figura realizados mediante esos tres grupos de materiales:
- Bailaora flamenca: bronce;
- Helena Sorolla: resina de poliuretano patinada sobre mármol;
- Desnudo femenino: escayola;
- Misericordia: escayola y arpillera.
Puedes profundizar en estas diferencias en Bronce, resina y escayola: materiales de la escultura actual.
Figura humana y espiritualidad
La figura también desempeña un papel importante en la obra religiosa de Elena.
En Misericordia, la posición de Jesús arrodillado y situado visualmente a la altura o por debajo del observador forma parte explícita del significado que la artista atribuye a la obra.
En Amor Vincit Omnia, el cuerpo de María embarazada permite centrar la representación en un momento de espera y maternidad poco habitual dentro de la iconografía publicada en la propia ficha.
En ambos casos el cuerpo no funciona únicamente como anatomía.
Funciona como narrativa.
¿Sigue siendo actual la escultura figurativa?
Sí.
Figuración y contemporaneidad no son conceptos opuestos.
Instituciones como The Met, Tate, MoMA y Museo Reina Sofía continúan estudiando y exponiendo prácticas donde el cuerpo permanece central, desde representaciones reconocibles hasta procesos radicales de transformación de la figura.
La pregunta contemporánea no es necesariamente si debemos representar el cuerpo.
Es qué queremos decir con él.
Puedes consultar las esculturas de Elena Egea Aguado para observar diferentes tratamientos de figura, material, escala y movimiento.
Sobre la autora
Elena Egea Aguado es escultora formada en Bellas Artes y en el Máster Universitario en Escultura Contemporánea de la UCM. Su portfolio incluye estudios de figura humana, obras en movimiento y escultura religiosa figurativa realizadas con bronce, resina y escayola.
C. FAQ
¿Qué es la escultura figurativa contemporánea?
Es escultura actual que conserva una referencia reconocible al mundo real. Puede representar cuerpos, rostros, animales u objetos y no tiene por qué seguir un realismo estricto.
¿Una escultura contemporánea puede ser realista?
Sí. Contemporáneo describe el contexto temporal y artístico, no obliga a utilizar abstracción. En la creación actual conviven realismo, figuración sintética, fragmentación y abstracción.
¿Por qué sigue utilizándose la figura humana en escultura?
Porque el cuerpo permite trabajar simultáneamente forma y significado. Postura, gesto, escala y material pueden expresar movimiento, identidad, vulnerabilidad, tensión o relación con otros cuerpos.
¿Es imprescindible estudiar anatomía para representar la figura?
El conocimiento de estructura y proporciones ofrece una base importante, aunque el resultado final puede transformarlas deliberadamente. En la enseñanza escultórica contemporánea el modelado de figura continúa combinando observación y representación subjetiva.
¿Qué materiales utiliza Elena para sus figuras?
En las obras publicadas aparecen varios. Bailaora flamenca está realizada en bronce, Helena Sorolla en resina de poliuretano patinada sobre mármol y Desnudo femenino en escayola.
¿Quieres conocer más obra figurativa?
Puedes recorrer la galería de Elena y observar cómo cambian postura, escala, movimiento y materia entre distintas piezas.
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